Alexander Goehr_

2018-10-05 19:47作者:admin来源:未知>次阅读

标题:Alexander Goehr Alexander Goehr(德语:[ɡøːɐ̯]]; 1932年8月10日出生)是英国作曲家和学者。 戈尔1932年出生于柏林,是指挥家和勋伯格学生沃尔特戈尔的儿子。在他二十出头的时候,他成为曼彻斯特战后英国作曲家学校的核心人物。 1955 - 1856年,他加入了巴黎的奥利维尔梅西安的大师班,尽管在60年代初,戈尔被认为是前卫的领袖,但他对现代主义和任何运动或学校的倾向态度很快就显现出来了。包括钢琴三重奏(1966),歌剧阿登必须死(1966),音乐剧片段三联(1968-70),交响乐团变形/舞蹈(1974)和弦乐四重奏第3号(1975年) -76)中,戈尔的个人声音被揭示出来,这是由于高度个人使用连续方法以及他的勋伯格和梅西安双重遗产中的元素的融合。自从1976年发明的“白色笔记”诗篇四以来,戈尔敦促回归到更传统的作曲方式,用熟悉的材料作为音乐推测的对象,这与现代音乐研究的技术重点相反[ 1] 亚历山大·戈尔于1932年8月10日出生于柏林,当他仅有几个月大时,他的家人搬到了英国。亚历山大来自一个非常音乐的家庭:他的母亲莱里亚是一位经典训练的钢琴家,他的父亲是勋伯格学生和勋伯格的创业指挥,梅西安(他于1953年在英国首演了Turangallala交响乐团)和蒙特维迪。作为一个孩子,亚历山大在一个由作曲家永久居住的家庭里长大,其中包括MátyásSeiber和Michael Tippett。 虽然这些前提对戈尔作曲家的未来非常清楚,但他作为一名作曲家的努力并没有受到他父亲的鼓励,他最初打算在牛津大学学习经典,而是去皇家曼彻斯特研究作曲。音乐学院,理查德·霍尔。 在他的作曲课上,戈尔与青年作曲家彼得麦克斯威尔戴维斯和哈里森比特威斯特尔以及钢琴家约翰奥格登成为朋友,他与他创立了新音乐曼彻斯特集团。 Goehr发展的一个开创性事件是听到他的父亲在英国首演Messiaen的Turangalîla交响乐。与梅西安音乐会议引发的非西方音乐(例如印度拉格)的兴趣,以及与彼得麦克斯韦戴维斯和哈里森比特维斯特勒分享的中世纪模式的兴趣,很大程度上影响了戈尔的第一个音乐想象。他的第一个公认作品来自这些年代:巴贝尔歌曲(1951)和钢琴奏鸣曲,作品。 2,这是献给普罗科菲耶夫的记忆,那年普罗科菲耶夫去世了。 1955年,戈尔离开曼彻斯特去巴黎学习梅西安,直到1956年10月,他一直留在巴黎。巴黎的音乐现场给戈尔留下了深刻的印象,戈尔与皮埃尔布列兹成为好朋友,并参与了序幕那些年的前卫运动。 Goehr试验了Boulez的团体sonore技术,尤其是他1956-57年的第一弦乐四重奏。Boulez在五十年代后期是Goehr的导师,他在巴黎Marigny剧院的音乐会上编排他的新作品。 这并不意味着持续。最后戈尔的感性从布列兹的序列主义中分离出来。什么让Goehr感到不安,主要是因为他认为,到了五十年代中期,连续主义已经成为一种文体纯正的崇拜,它以Anton Webern的十二音作品为模型。其他任何音乐的参考都被禁止和鄙视,并且自发的选择被串行主义的组合法所取代: 选择,品味和风格是肮脏的话;人们可以说,个人风格必然是重复的产物,重复的消除是或被认为是韦伯晚期作品所定义的经典连续主义的基石[...]所有这一切很可能是被视为一种负面风格的戒律:有意识地消除感性的,戏剧性的或表现性的元素,实际上在流行的观点中构成音乐的所有事物[2]。 在他回到英国后,Goehr在他的父亲的指挥下于1957年演奏了他的歌剧“The Deluge”,作为一名作曲家获得了突破。这是一个巨大的,雄心勃勃的作品,受到了谢尔盖艾森斯坦的作品的启发--Gauhr的作品之一许多额外的音乐灵感来源。声音世界可以看作是来源于韦伯恩的十二音调,但它隐含地为普罗科菲耶夫的爱森斯坦颂歌带来强烈的谐音紧张感和完整的声音。古塔尔一遍又一遍地探索歌剧的风格他整个职业生涯都是如此 事实上,继The Deluge的成功之后,Goehr被委托制作了一首新歌曲,即Sutter's Gold合唱团,男中音乐队和管弦乐队。然而,这项新作品被证明是非常不受欢迎的,尤其是对于歌手来说,他们发现演出难度不大,表演的难度是Sutter黄金在1961年利兹音乐节上被评论家解雇的原因之一。然而,这一突破对Goehr产生了建设性的影响:而不是将批评仅仅视为无能的结果在批评家和表演者方面,他真正面对先锋派作曲家及其音乐的地位问题: 如果愿意的话,可以说音乐必须是自主和自足的;但是当乐于歌唱的人在新作品的表演中被剥夺了真正的满足感时,如何维持这种观点? [...]我们可以根据通知它的想法来谈论音乐;我们可以谈论结构和技术;我们可以谈论美学,道德或政治。但是我们必须记住,虽然所有这些,不论是否现实,对于作曲家和任何喜欢跟随作曲家作品的人都是非常重要的,但是讨论的不是音乐本身,而是音乐的位置,地点它存在的地方。[3] 尽管如此,戈尔继续谱写合唱作品。在与强烈致力于新音乐的合唱指挥John Alldis的友谊的鼓舞下,Goehr于1962年创作了他的两首合唱作品,该作品第一次使用了形式和序列的组合,这将成为下一个主要的技术资源14年。他寻找一种可以表达自由的连续主义模式,使他成为着名的小交响曲,作品。 15(1963)。这是Goehr的指挥家/作曲家父亲的一个纪念碑,他的意外死亡,它基于一个巧妙的序列,巧妙地模拟(但未引用)来自Mussorgsky画廊的“地下墓穴”运动在展览(Goehr资深人士对这种不寻常的运动进行了密切的调和分析)。[4] 这种灵活的序列主义方法,将谐波背景与集体声纳和形式融为一体,是Goehr开发的作为整个串行主义束缚的替代方式的非常具有代表性的文字。并非巧合的是,早些时候布雷兹促成了戈尔的音乐表演 - 拒绝编制小交响曲:到1963年,戈尔已经整齐地离开了他的巴黎时代的风格。 六十年代,Goehr在1964年与Peter Maxwell Davies和Harrison Birtwistle创立了Wardour城堡夏季学校,最重要的是Goehr开始关注歌剧和音乐剧院。1966年,他创作了他的第一部歌剧Arden Must Die(Arden Muss Sterben),这是一个彻底的布莱希特式的詹姆士一世的道德戏剧,其当代政治和社会共鸣令人不安。戈尔在押韵的小提琴中引人注目地设置了由埃里克·弗雷德创作的文本,这使得简单的音乐思想不断发展,扭曲为一种阴险和讽刺的效果。 1967年,他创立了音乐剧院合奏团,并于1971年完成了由音乐剧 - Tryptich组成的三部分乐曲 - 由Naboth's Vineyard(1968)和Shadowplay(1970)组成的三部作品均为音乐剧而关于耶路撒冷的晚期奏鸣曲(1971年)则由耶路撒冷Testimonium委托,并由以色列室内乐团和加里贝尔蒂尼执行。 60年代末期,Goehr的一系列着名学术任命也开始了。 1968至1969年,他在波士顿新英格兰音乐学院任驻地作曲,并在耶鲁大学任教音乐副教授。戈尔返回英国担任南安普敦大学访问讲师(1970-71)。 1971年,他被任命为利兹大学西部音乐教授。 1976年,戈尔被任命为剑桥大学音乐教授,直到1999年退休时离开利兹。在剑桥,他成为了三一堂。 Goehr在剑桥任职的年份正好与他的成果转折点相符1976年,Goehr写了一篇“白色笔记”的诗篇四,这个简单而明亮的模态声音标志着这个作品最终脱离了后期阶段,战争序列主义和对更加透明的声音世界的承诺Goehr发现了一种通过将他自己的模态泛音成语与长期被遗弃的低音演奏融合来控制和声速度的方法 - 从而实现了过去和现在的高度特质融合。 接下来的二十年的输出证明了Goehr希望用这个新成语来探索已经成为他作品不变特征的想法和流派,比如交响乐形式的探索:Goehr在他的Sinfonia中回到了交响乐形式1979年)和交响曲与Chaconne(1987)。然而这些年“输出传播最显着与大量雄心勃勃的声音分数。 这些年来许多声乐作品的一个共同特点是选择主题作为反思社会政治主题的寓言。摩西之死(1992)使用摩西“愤怒的拒绝作为大屠杀受害者命运的寓言而死亡;而狂欢节的巴比伦大帝是堕落的(1979)和歌剧注视的太阳(1985) - 为此巴比伦大帝可以被认为是一个素描研究 - 都通过1543年明斯特的再洗派起义的文本来探索暴力革命的主题。还有非政治作品,如唱歌,阿里尔,回忆弥赛亚的风格化的鸟鸣,并设置了一个万花筒英国诗歌,歌剧阿里安娜(1995年) - 写在一个Rinuccini歌词L“阿里安娜,一个蒙特维迪失去的歌剧 - 是意大利文艺复兴的声音世界的典型特质探索。他与蒙特维尔第的音乐互动可以追溯到康塔塔摩西之死,他形容他为“蒙特维迪通过瓦雷斯听过的故事”。[5]阿里安娜也是最显着地展现了戈尔意图将他重新塑造过去了听众可以听到并识别的正确过程: 我打算创造的印象是透明度:听众应该在比分的连续和同时的范围内感知新的和旧的旧的旧的。我们将看到一个神话和古代的行动,由一个17世纪的诗人在现代剧场中解读。[6] 虽然Goehr最近15年的产出没有得到他先前工作的大量报道(无论是学术写作还是表现频率),但他们可以说是Goehr组成阶段中最有趣的一部分。最近十年的成果被1999年的歌剧“坎丹”和“大马士革鼓”歌颂,并在多特蒙德歌剧院首演。这部歌剧实际上由日本努尔剧院传统中的两部戏剧组成,其间由一段短暂的歌剧幽默插曲隔开。 Goehr,日本文本的历史可以追溯到15世纪,并由作曲家进行了改编,色调的调性成语并不沉迷于东方主义,而是Noh中的音乐和戏剧之间的关系为整个作品带来了活力。和锦缎鼓的搜索继续进行富有表现力的综合;在这种情况下,它是西方和东方,过去和现在之一。 在接下来的几年里,Goehr几乎专心致力于室内乐。这可能是对他在歌剧舞台上遇到的困难的回应:室内音乐表演所需的有限金融支持允许音乐和表演场地脱离迂回路径,同时允许作曲家更好地控制音乐的质量的表现。[7]通过室内音乐媒体Goehr获得了前所未有的节奏和谐的直接性,而他的音乐仍然可以通过其他时间和地点的音乐和图像渗透:钢琴五重奏(2000年)和大提琴和钢琴幻想曲(2005年)闹鬼充满拉威尔般品质的丰富声音。 Symmetries Disorder Reach(2007)这套钢琴作品几乎没有任何伪装的巴洛克风格,受到早期伯格精神的影响。前往卡尔卡松(2003年)与新古典主义和斯特拉文斯基调情,以及Manere为小提琴和单簧管演奏(2008年),基于中世纪的一个片段,是典型的音乐装饰艺术。自2008年以来,黄铜和石头弦乐四重奏和打击乐(2008年),帕维尔哈斯纪念。受到莎士比亚十四行诗的启发,它从中借用了它的头衔,这件作品代表了戈尔最近腔室作品的创造性。一位评论家将作品的音乐世界描述为“复杂而富有弹性的复合图案”。 。]一个神奇的花园斑驳的纹理“。[8] 经过近十年的歌剧演出之后,Goehr重新回到了Promised End(2008-09)的形式,该剧于2010年首先由英国旅游歌剧院演出,并以莎士比亚的李尔王为基础[9]。同年当亚当费尔,一个BBC管弦乐团的委员会的基础上,从巴赫合唱团“Durch亚当的秋天ist阿尔勒Verderbt”的彩色低音,首先由他的老师Olivier Messiaen介绍给Goehr。对于这些黑暗步骤/父亲们正在观看(2011-12),为儿歌的合唱团和合唱团而写,为以色列诗人加布里尔莱文撰写关于在伊拉克战争期间轰炸加沙的文本,并在标有戈尔的音乐会上首演80岁生日。 拉戈西西里诺(Largo Siciliano,2012)是一位三重奏,被称赞为掌握了小提琴,号角和钢琴之间非同寻常的组合之间的天籁般的平衡,“从开放的黄昏忧郁到似乎消失殆尽的结局。”[10]室内交响曲...... ......(2013年),与伯明翰当代音乐集团有着长期合作关系的最新委员会,是一部独立演出的四部乐章之一,直接承认了阿诺德勋伯格自己的“室内交响曲”第9节。 2004年,戈尔被授予普利茅斯大学荣誉音乐博士学位。[需要的引证] 所有戈尔的作品都以某种方式研究了若干不同元素的综合,这在他的突破性作品“黛珂”(The Deluge,1957-58)中已经显而易见,它受爱森斯坦的笔记一部以达芬奇的作品为基础的电影;换句话说,Goehr以一位画家的作品为基础写了一部关于导演笔记的音乐!同样,他对新作曲的灵感来源于晚期贝多芬钢琴奏鸣曲的正式比例(Metamorphosis / Dance,1973-4 )到戈雅(Colossus或Panic,1990)的绘画,Bertolt Brecht(Arden Must Die,1966)或日本Noh剧院(Kantan and Damask Drum,1999)的阴险幽默。 The Deluge的另一个红线元素是它从一个未完成的项目中得到了启发 - 爱森斯坦从未执行过这个特定的项目。 Goehr会一次又一次地回顾一下其他艺术家留下的碎片或未完成项目的合成的想法,尽管以隐喻的方式:康塔塔摩西之死与勋伯格的未完成的摩西和阿伦共鸣;歌剧阿里安娜( 1995)是由蒙特维尔第创作的一部迷失歌剧的作品;以及后来由法兰兹卡夫卡潜伏在Das Gesetz der Quadrille(1979),Sur terre en l'air(1997)和Schlussgesang(1990)后面的散文片段。 从严格的技术性音乐水平来看,Goehr的努力早已将第一个维也纳学派和第二个维也纳学派的对立严密和动力运作统一起来,并且具有强烈的和谐音调和声响感,这表明Goehr应该去巴黎不仅要参加巴黎音乐学院的弥赛亚课程,而且还要与勋伯格学者和作曲家马克斯·德意志学习对比和序列主义;甚至更具指示性的是,德意志人听到年轻人打算把戈尔从家中扔出去的轶事与梅西安以及他一起学习Goehr对Messiaen的债务非常强烈,正如Goehr终身致力于将模式融入串行和音调的表现一样,以及他的经常以鸟语为灵感的灵感旋律写作,尤其是在歌唱歌唱,阿里尔。 Goehr对音乐过去的兴趣远非空洞的习惯或音乐保守主义的标志,而是对自己的音乐根源进行认真的,不断的探索。过去的音乐并不妨碍Goehr的观点,寻找创新的音乐语言: 在作曲家的脑海中,模糊的记忆融合并发展成为一种新的,有意识的,创造性的想法。艺术家与他来自的传统相关,这种联系与时间或进步无关。 这种态度由戈尔的明显主张“所有艺术是新的,所有艺术都是保守的”这一明确表达。[12]这样理解,他对过去的音乐想象可以追溯到三个基本来源: 尽管戈尔与父亲的私人关系并非没有问题,但沃尔特戈尔通过他的指挥工作对他的儿子产生了决定性的影响:沃尔特支持的作曲家 - 阿诺德勋伯格,克劳迪奥蒙特维迪,谦虚穆索尔斯基,奥利弗梅西亚恩 - 在亚历山大的输出中出现了一条红线。例如,Goehr的阿里安娜使用蒙特威尔第,阿里安娜阿波隆纳塔的一部迷失歌剧的歌词,让人联想起意大利文艺复兴时期的声响。五重奏黑暗的对象(其作品借用画家乔治莫兰迪的作品是一个以Mussorgsky音乐片段为基础的一组变体[13],以及早期的小交响曲使用展览中图片中Mussorgsky的“Catacombs”的和弦结构作为谐波主干[14]。 沃尔特戈尔曾与勋伯格学习过,并不断被高端音乐作曲家包括西伯尔,蒂皮特等人所包围。戈尔对这一代人,尤其是勋伯格的强烈责任感,与他对达姆施塔特学派50年代先锋派的矛盾反应有很大关系[15](他的朋友兼导师皮埃尔布雷兹深深卷入其中) 。 戈尔对这些音乐的兴趣无疑是他的勋伯格遗产的一部分,就像勋伯格一样,戈尔拒绝将当前作曲看作独立于任何音乐传统的实践,而是在传统中寻找音乐创新的元素亚历山大寻求一种控制音乐结构和和谐的手段,导致他在七十年代后期对巴赫克式的低音提琴进行了创新性的解读,并结合他个人的形式和连续主义的融合。这在他的第四篇和第四篇中有例证随后的相关作品:第四篇诗篇(分别为1976年和1977年)笔记中的赋格和罗曼扎。 Goehr还致力于重塑古典形式,如交响曲,古典协奏曲和巴洛克式套房(从1961年的套房Op。11,直至2007年的对称性紊乱)。更多的灵感来源是卡尔菲利普伊曼纽尔巴赫和蒙特威尔第的音乐装饰论,他的早期巴洛克式的走向谐音和控制和声的文艺复兴复调的综合,清楚地反映了戈尔对和谐表现的序列主义实践的承诺。 Schott Music通过工作提供完整的唱片:Goehr唱片 1987年,BBC邀请Goehr出席Reith Lectures。在一系列六场讲座中,题为“交响乐的生存”的他记录了交响乐的重要性,以及它在20世纪明显从恩典中坠落的情况。

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